Autoportrait de Rembrandt
Le peintre baroque Rembrandt a peint plusieurs autoportraits durant sa carrière. Voici l'analyse d'un autoportrait de Rembrandt.
Autoportrait
Définition autoportrait Léonard de Vinci Jan Van Eyck Rembrandt Édouard Manet Thomas Eakins Albrecht Dürer Andy Warhol Pablo Picasso Salvador Dali Vincent Van GoghDans cet autoportrait, l’artiste Rembrandt est vêtu d'un manteau, les mains jointes sur ses genoux.
Sujet de l'oeuvre
Le tableau est peint dans une gamme restreinte de bruns et de gris, enrichi par une forme rouge qui indique probablement le noir de la chaise. Une autre zone rouge dans le coin inférieur gauche montre peut-être une nappe.
La zone la plus lumineuse est sur le visage de l’artiste, est encadrée par un grand béret et un haut col qui cache des bajoues. La peau du visage est modélisée avec une épaisse couche peinte avec des couleurs riches et variées. Cela fait penser à un vieillissement physique de l’artiste et aux effets émotionnels de l'expérience de sa vie.
Au début, l’artiste Rembrandt s’est représenté en portant un bonnet de couleur claire avant d'opter pour le béret noir. L'artiste dans ses autoportraits est vu uniquement à son chevalet avec sa coiffure originale.
Utilisation de la peinture
La pratique de la variation de surface est comme un moyen d'illusion, où la perceptibilité a été comprise par certains des contemporains de Rembrandt.
Sur la surface de la peinture, il n'y a pas de distinction de la qualité à l'atmosphère. Au fait, certains font apparaitre l'accent, tandis que d'autres le font moins, souvent, cela est le résultat de la variation entre les zones de forte densité de peinture empâtée et celles qui sont composées de coups de pinceau flou.
Le relief de la peinture crée des réflexions de lumière qui simulent l'aspect tactile de la chair. Les coups de peinture épaisse, chaude dans le ton pour représenter les domaines de la lumière réfléchie sur le front, le nez et la joue.
Le globe oculaire droit est peint avec une série de glacis transparent, au sommet de laquelle est placée une goutte de pigment blanc de plomb pour le point culminant. Cet œil est entouré par une variété complexe de pinceau : le front est formé par une série de coups inégaux.
La joue est moulée avec une brosse arrondie. Les rides au coin de l'œil sont désignées par un coup de peinture fraîche traîné sur une sous-couche sèche.
Utilisation du miroir
Lors de sa représentation, l’artiste Rembrandt utilise généralement l'arrangement le plus pratique pour un artiste droitier. Celui-ci place le miroir vers la gauche, afin de ne pas avoir son point de vue gêné par son bras lors de son travail.
Une oeuvre abandonnée par l'artiste ?
Cet autoportrait de Rembrandt est moins terminé que beaucoup d'autres. En effet, on constate l'expressivité riche du pinceau, en particulier dans le visage. Dans certains passages de la manipulation de pigment de l’artiste, on voit des formes décrites indépendantes.
Bien que l'attribution de la peinture ait été mise en doute en raison de sa liberté d'exécution, il est probable que Rembrandt a choisi de quitter la toile à un stade de son évolution.
Des radiographies ont prouvé qu’au cours de la réalisation de plusieurs portraits, l’artiste a abondamment appliqué des passages de diluants et des touches plus fines de peinture. Il est évident que la forme plastique du visage dans l’autoportrait au béret ne résulte pas d’une précise transition des couleurs, mais plutôt, de la vitalité et de la texture du pinceau.
L'impression générale est celle d'une œuvre complète, qui présente le sujet comme étant marquée par l'expérience, représentée dans la dignité.
Analyse de la toile
Le support original est une toile de fil fine, avec le blanc de plomb apposé à l'arrière de la doublure. L'épais brun rouge et le gris léger sont les types de peinture utilisés.
Le visage et les mains du portrait étaient en bon état, les zones endommagées dans le visage et le fond ont été couvertes avec du noir. Mais, en 1992, pendant une restauration quelques modifications ont été faites.
À partir de 1767, cette peinture a connu plusieurs modifications lorsqu’elle a été possédée par George, le troisième Duc de Montagu et quatrième comte de Cardigan. Ensuite, la peinture a été transmise à sa fille, madame Elizabeth, épouse de Henry, le troisième duc de Buccleuch de Montagu.
La peinture a aussi été détenue par John Charles, le septième duc de Buccleuch, et a été achetée en 1929 par Andrew W. Mellon. La peinture était possédée par la galerie nationale de l’art en 1937.
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