Origine et histoire du Surréalisme

Le surréalisme est un mouvement de l’art moderne qui aura une grande influence sur le cinéma, l’art pictural et la litérature. Le mouvement artistique naît en 1929, quand l’écrivain et théoricien André Breton décide de se séparer définitivement du mouvement dada. Le surréalisme rassemble des icônes de l’art moderne, tels Salvador Dalí, René Magritte, Luis Buñuel, Max Ernst, Joan Míro et Man Ray.

Introduction au mouvement surréalisme

Le surréalisme est l'un des mouvements les plus représentatifs de la pensée du 20e siècle. Il poursuit les inventions du cubisme. La peinture y est onirique, pleine de messages et de sens cachés.

Le mouvement artistique surréaliste s’imposa principalement entre la 1ere et la 2e Guerre mondiale.

Naissance du mouvement surréaliste

Plusieurs courants artistiques annoncent la naissance de la peinture surréaliste. Parmi ceux-ci, on peut noter le naturalisme, le symbolisme et le cubisme.

Le surréalisme est néanmoins principalement né du mouvement Dada. Le dadaïsme, dont le nom a été créé au hasard, se voulait être une réaction contre la Première Guerre mondiale et les conventions de l'époque.

Le surréalisme naît en 1926, en réaction au risque d'une nouvelle guerre, sous le manifeste du surréalisme écrit par André Breton.

Influence de la psychanalyse

À cette époque, les théories psychanalytiques de Freud fascinent les gens et surtout les artistes. On y traite du subconscient, de l'inconscient et de l'interprétation des rêves.

Ces nouvelles théories inspirent les peintres qui voient dans ces sujets de nouvelles techniques d'explorations picturales et souhaitent tirer parti de ce monde imaginaire et onirique.

Les peintres ne désirent pas interpréter leurs rêves. Ils souhaitent les mettre en scène esthétiquement sur la toile, les représenter en puisant directement dans leur inconscient. Leurs tableaux décrivent le fonctionnement de leur imagination, ils sont une description de la mécanique de la pensée.

Le Surréalisme au service de la révolution

La Révolution surréaliste, revue crée en 1924, fut dirigée par Pierre Naville et par Benjamin Péret.

C’est en 1930 qu’ils choisirent de modifier son nom pour « Le Surréalisme au service de la révolution », démontrant clairement la tendance politique du mouvement.

Première exposition surréaliste

Ce n’est qu’à partir de 1936 qu’eurent lieu les premières expositions internationales surréalistes.

Après ces fameuses expositions dont la plus célèbre eut lieu à la Galerie des Beaux-Arts de Paris, en 1938, l’évolution esthétique due au surréalisme marqua l’histoire.

Les artistes actifs de la peinture surréaliste

Il existe de nombreux artistes surréalistes, tous très créatifs et novateurs.

Parmi ceux-ci, nous pouvons citer Salvator Dali, le plus fantasque et excentrique peintre surréaliste, Max Ernst, qui peuple ses toiles de personnages oniriques, René Magritte, maître de la peinture en trompe-l'oeil qui allie les jeux de mots et les jeux de sens, ou encore Marc Chagall et De Chirico.

L'atmosphère onirique caractérise tous ces artistes qui allient le monde intérieur à des messages invitant à la réflexion.

Querelles entre les artistes surréalistes

L’engagement politique du mouvement engendré par André Breton fut la cause principale d’une multitude de querelles entre les artistes surréalistes.

À la fin des années 1920 : le Second Manifeste du surréalisme, publié en 1929, souligne l’arrivée de nouveaux membres ainsi que la réconciliation avec Tzara.

Entre 1925 et 1933, il y eut plusieurs oppositions auprès de Breton. Le groupe composé d’André Masson, Joan Miró, Michel Leiris et Antonin Artaud rejoignit Georges Bataille et la revue Documents puis qualifièrent le travail de Breton de « matérialisme vulgaire ».

En revanche, le groupe formé de Jacques Prévert, Marcel Duhamel et Yves Tanguy, s’éloigne radicalement du mouvement. En 1929, Roger Gilbert-Lecomte, René Daumal, Roger Vailland et le peintre tchèque Joseph Sima créèrent, également en opposition à Breton, la revue le Grand Jeu.

En 1933, les surréalistes de toutes allégeances se rassemblent et participèrent à la revue Minotaure, fondée par l’éditeur Albert Skira. En 1937, André Breton en devint le rédacteur en chef.

L'influence du surréalisme

Le surréalisme influença d’importants mouvements littéraires et artistiques dans les années 60. Les artistes du Pop art et les « nouveaux réalistes » se prétendaient d’ailleurs adeptes du mouvement. En 1969, trois ans après la mort d’André Breton, Jean Schuster signa officiellement, dans le quotidien le Monde, l’acte de décès du mouvement.

Débuts du surréalisme, les premières inspirations

La Première Guerre mondiale dispersa les écrivains et les artistes qui étaient à Paris. Nombreux étaient impliqués dans le mouvement Dada, et estimaient que la pensée rationnelle excessive et les valeurs bourgeoises étaient à l’origine de ce terrifiant conflit dans le monde.

Les influences du dadaïsme

Les dadaïstes protestèrent avec des rencontres anti-rationnelles et anti-art, des spectacles, de l'écriture et des oeuvres d'art. Après la guerre, quand ils retournèrent à Paris, les activités Dada continuèrent.

Au cours de la guerre, le chef en devenir du surréalisme André Breton, possédant une formation en médecine et en psychiatrie, servi dans un hôpital neurologique où il utilisa les méthodes psychanalytiques de Sigmund Freud sur des soldats. Il rencontra également le jeune écrivain Jacques Vache.

Breton écrivit : « Dans la littérature, j’ai eu pour inspiration Rimbaud, Jarry, Apollinaire et Lautréamont, successivement, mais c'est à Jacques Vache que je dois le plus. »

Pour plus d'information sur le dadaïsme, je vous conseil cet article complètement consacrer à l’histoire de l’art Dadaiste.

Les débuts du surréalisme dans la littérature

De retour à Paris, Breton se joignit aux activités des dadaïstes et inaugura la revue littéraire « Littérature » avec Louis Aragon et Philippe Soupault. Ils commencèrent à expérimenter avec l'écriture automatique en écrivant spontanément leurs pensées, sans aucune censure.

Breton et Soupault plongèrent plus profondément dans l'automatisme et rédigèrent « Les champs magnétiques », en 1919. Ils poursuivirent l'écriture automatique en plus de recruter de plus en plus d'artistes et d'écrivains dans le groupe.

Ils en vinrent alors à croire que l'écriture automatique était une meilleure tactique pour l'évolution de la société que d’attaquer les valeurs à la façon Dada.

L'influence de Freud

Les travaux de Freud sur la liberté d'association, l'analyse des rêves et l'inconscient furent de la plus haute importance pour les surréalistes afin de mettre au point des méthodes pour libérer l'imagination.

Ils adoptèrent toutefois une idiosyncrasie, tout en rejetant l'idée d'une folie sous-jacente ou de l'obscurité de l'esprit. Plus tard, l’idiosyncrasique Salvador Dalí déclara : « Il n'y a qu'une seule différence entre le fou et moi : je ne suis pas fou. »

Le groupe visait à révolutionner l'expérience humaine, y compris ses aspects personnels, culturels et sociaux, en libérant les gens de ce qu'ils considéraient comme une fausse rationalité.

La Révolution surréaliste

Breton proclamait que le véritable objectif du surréalisme était : « Vive la révolution sociale ! » Pour atteindre cet objectif, les surréalistes s’associèrent, à divers moments, au communisme et à l'anarchisme.

En 1924, ils déclarèrent leurs intentions avec la publication du premier Manifeste du surréalisme. Cette même année, ils créèrent le Bureau de la recherche surréaliste et commencèrent à publier la revue La Révolution surréaliste.

La grande période du mouvement surréaliste

Tout au long des années 30, le surréalisme continua à devenir de plus en plus visible au grand public. Les « Expositions internationales du surréalisme », à Londres en 1936, d’un groupe surréaliste développé en Grande-Bretagne, furent, selon Breton, une grande empreinte de la période et devinrent un modèle pour les expositions internationales.

Dali et Magritte créèrent les images les plus largement reconnues du mouvement. Dali joignit le groupe en 1929 et participa à la mise en place rapide du style visuel, entre 1930 et 1935.

Le surréalisme, comme mouvement artistique visuel, avait trouvé une méthode : exposer la vérité psychologique en éliminant l'importance des objets ordinaires afin de créer une image au-delà de l'ordinaire et de susciter l'empathie du spectateur.

Premières oeuvres surréalistes marquantes

1931 fut une année où plusieurs peintres surréalistes produisirent des oeuvres marquantes dans l’évolution stylistique.

« La voix des airs », de Magritte, est un exemple de ce processus où les trois boules représentent de grandes cloches accrochées au-dessus d'un paysage.

Un autre paysage surréaliste de cette même année est « Le palais promontoire » d’Yves Tanguy, avec ses formes fondues et liquides. Les formes liquides devinrent la marque de commerce de Dali, en particulier dans son oeuvre « La persistance de la mémoire » qui comprend l'image de montres qui s'affaissent comme si elles fusionnaient.

De 1936 à 1938, Wolfgang Paalen, Gordon Onslow Ford et Roberto Matta rejoignirent le groupe. Paalen, avec sa technique de « Fumage », et Onslow Ford, avec son « Coulage » contribuèrent à créer des nouvelles techniques picturales automatiques.

Le surréalisme dans l'art visuel

Longtemps après les tensions personnelles, politiques et professionnelles qui fragmentèrent le groupe surréaliste, Magritte et Dali continuèrent à définir un programme visuel dans le domaine des arts.

Ce programme était au-delà de la peinture, englobant aussi la photographie, comme on peut le voir à partir d'un autoportrait de Man Ray dont l'assemblage influença la boîte à collage de Robert Rauschenberg.

Au cours des années 30, Peggy Guggenheim, une importante collectionneuse d'art américaine mariée à Max Ernst, commença à promouvoir le travail des autres surréalistes tels que Tanguy et l'artiste britannique John Tunnard.

Les grandes expositions dans les années 1930

• 1936 – Une exposition surréaliste internationale est organisée à Londres par l'historien de l'art Herbert Read, avec une introduction par André Breton.
• 1936 – Le Musée d'Art Moderne de New York monte l'exposition Fantastic Art, Dada et le surréalisme.
• 1938 – Une nouvelle exposition surréaliste internationale est tenue à la galerie des Beaux-Arts de Paris, avec plus de 60 artistes de différents pays et montre environ 300 peintures, objets, collages, photographies et installations.

Une exposition surréaliste qui crée un scandale

Les surréalistes veulent créer une exposition qui, en soi, soit un acte de création et ils demandent à Marcel Duchamp de le faire.

À l'entrée de l'exposition, il place le taxi de Salvador Dali pour saluer les clients en tenue de soirée. Cette pièce est en fait un taxi qui produit une bruine constante, de l'intérieur de la fenêtre, une tête de requin sur le siège conducteur et un mannequin blond rampant avec des escargots à l'arrière. Une rue surréaliste remplit l'un des côtés du hall d'accueil avec des mannequins habillés par divers surréalistes.

Duchamp conçoit le hall principal pour ressembler à une grotte souterraine avec 1200 sacs de charbon suspendus au plafond. Une seule ampoule fournissant l’éclairage, une lampe de poche est donnée à chaque visiteur pour contempler les oeuvres à l'intérieur. Le tapis est rempli de feuilles mortes, de fougères et d'herbes, et l’arôme de torréfaction du café remplit l'air.

À la satisfaction des surréalistes, l'exposition scandalise les spectateurs.

Seconde guerre mondiale et période d'après-guerre

La Seconde Guerre mondiale créa le chaos, non seulement pour l'ensemble de la population européenne, mais aussi pour les artistes et les écrivains qui s'opposaient au fascisme et au nazisme.

Les surréalistes en Amérique

De nombreux artistes fuirent vers l'Amérique du Nord, à la recherche d'une sécurité aux États-Unis. La communauté artistique de la ville de New York était déjà plongée dans le surréalisme et plusieurs artistes comme Arshile Gorky, Jackson Pollock, Robert Motherwell et Roberto Matta, établirent une étroite collaboration avec les artistes surréalistes eux-mêmes.

Leurs idées concernant l'inconscient et le rêve furent rapidement adoptées.

Après la Seconde Guerre mondiale, le goût de l'avant-garde américain bascula vers l'expressionnisme abstrait avec l'appui de personnes influentes telles que Peggy Guggenheim, Leo Steinberg et Clement Greenberg.

Rencontre avec l'expressionnisme abstrait

Toutefois, il ne faut pas oublier que l'expressionnisme abstrait fut créé directement des réunions d'artistes surréalistes américains auto-exilés pendant la Seconde Guerre mondiale. Arshile Gorky et Wolfgang Paalen influencèrent particulièrement le développement de cette forme d'art américain qui, comme le surréalisme, célébrait l'acte créatif instantané.

Les premières oeuvres de plusieurs artistes expressionnistes tels que Rauschenberg révélèrent un lien étroit entre les aspects superficiels de ces deux mouvements et l'émergence d'aspects dadaïstes.

Pour plus d'information sur l’expressionnisme abstrait, je vous invite à voir ce dossier complètement consacrer à l’expressionnisme abstrait.

La Seconde Guerre mondiale éclipsa pour un certain temps presque toute la production artistique.

Les différentes publications surréalistes

En 1941, Breton se rendit aux États-Unis, où il co-fonda l'éphémère revue VVV avec Max Ernst, Marcel Duchamp et David Hare.

Toutefois, ce fut le poète américain, Charles Henri Ford et son magazine View (Voir) qui offra un véritable canal pour la promotion du surréalisme aux États-Unis. L'édition spéciale sur Duchamp fut cruciale pour la compréhension du surréalisme par le public américain. Cela souligna les connexions avec les méthodes surréalistes, offrant diverses interprétations de son oeuvre ainsi que la vision de Breton que Duchamp eut été le pont entre le début des mouvements modernes tels que le futurisme et le cubisme, et le surréalisme.

Wolfgang Paalen quitta le groupe en 1942 pour des raisons de divergences philosophiques et politiques avec Breton pour fonder le journal Dyn.

Le surréalisme, un mouvement fort

Bien que la guerre eut été perturbatrice pour le surréalisme, les travaux continuèrent. De nombreux artistes surréalistes continuèrent à explorer le vocabulaire, y compris René Magritte. De nombreux membres du mouvement surréaliste continuèrent à correspondre et à se rencontrer.

Alors que Dalí fut excommunié du groupe par André Breton, il n’abandonna pas les thématiques surréalistes dans ses peintures, y compris les références à son oeuvre « La persistance du temps ». Sa période classique ne fut pas une rupture forte avec le passé, si bien que certains, comme Thirion, dirent de son travail qu'il y avait des oeuvres qui, après cette période, continuèrent à avoir une certaine pertinence pour le mouvement.

Le surréalisme en Angleterre

Au cours des années 1940, l'influence du surréalisme fut ressentie autant en Angleterre qu'en Amérique. Mark Rothko avait un intérêt dans les formes biomorphiques.En Angleterre, Henry Moore, Lucian Freud, Francis Bacon et Paul Nash utilisèrent ou expérimentèrent des techniques de surréalisme.

Conroy Maddox, l'un des premiers Britanniques dont le travail surréaliste date de 1935, demeura au sein du mouvement et organisa une exposition surréaliste, en 1978, en réponse à une précédente exposition qui lui déplut, car elle ne représentait pas correctement le surréalisme.

L'exposition de Maddox, intitulée Surrealism Unlimited (Surréalisme illimité), eut lieu à Paris et attira l'attention de la communauté internationale. Sa dernière exposition solo eut lieu en 2002, et il mourut trois ans plus tard.

Magritte continua de produire des oeuvres plus réalistes avec des objets réels, tout en maintenant l'élément de juxtaposition, comme dans les oeuvres Les Valeurs Personnelles et l'Empire de la Lumière.

Fin du surréalisme ? Malgré la popularité du mouvement

Le surréalisme se dissout peu à peu, en raison des dissensions grandissantes des têtes fortes du mouvement.

Il n'y a pas de consensus clair sur la fin, ou s'il y eut une fin au mouvement surréaliste. Certains historiens de l'art disent que c’est la Seconde Guerre mondiale qui rompît le mouvement.

Mort d'André Breton et de Salvador Dali

Toutefois, l'historien de l'art Sarane Alexandrian croit que c’est la mort d'André Breton, en 1966 qui marqua la fin du surréalisme comme mouvement organisé. Il y eut également des tentatives pour associer la mort de Salvador Dalí à la fin du mouvement, en 1989.

Le surréalisme des années 1960

Dans les années 1960, un groupe d'artistes et d'écrivains fut étroitement associé au surréalisme. Pendant que Guy Debord critiquait et se distanciait lui-même du surréalisme, d'autres, comme Asger Jorn, utilisaient des techniques et des méthodes surréalistes. Certains événements, en 1968, en France, reprenaient un certain nombre d'idées surréalistes et les slogans peints sur les murs de la Sorbonne par des étudiants furent reliés au surréalisme.

En Europe et dans le monde entier, depuis les années 1960, des artistes combinent le surréalisme à ce que l'on croit être une technique classique du 16e siècle pour créer « Mischtechnik », une sorte de mélange redécouvert par Ernst Fuchs et qui est maintenant pratiqué et enseigné par de nombreux disciples, dont Robert Venosa et Chris Mars. L'ancien conservateur du San Francisco Museum of Modern Art, Michael Bell, nomma ce style "surréalisme vériste", représentant un monde analogue au monde des rêves décrit avec une clarté méticuleuse et très détaillée.

L'Orange alternative, le surréalisme en politique

Au cours des années 1980, derrière le rideau de fer, le surréalisme fit un nouveau bond en politique avec un mouvement artistique d'opposition connu sous le nom de Orange alternative.

Orange alternative fut créé en 1981 par Waldemar Fydrych, un diplômé de l'histoire de l'art de l'Université de Wroclaw.

Ils utilisèrent des symboles et des terminologies surréalistes dans des événements de grande envergure organisés dans certaines villes polonaises au cours du régime Jaruzelski. Ils peignèrent notamment des graffitis présentant des slogans anti-régime. Major fut l'auteur du Manifeste socialiste du surréalisme. Dans ce manifeste, il déclara que le système du parti socialiste (communiste) était devenu tellement surréaliste qu'il était devenu, lui-même, une expression artistique.

L'art surréaliste demeura populaire auprès des musées d'art

Le Guggenheim Museum à New York tenu, en 1999, l'exposition Two Private Eyes et, en 2001, le Tate Modern réalisa une exposition surréaliste qui attira plus de 170 000 visiteurs. En 2002, le Met de New York organisa un spectacle et le Centre Georges Pompidou de Paris tenu aussi une exposition surréaliste.

Cependant, le mouvement artistique reste sans contredit l’un des plus importants du 20e siècle, et l’un de ceux qui a fait connaître au monde les artistes les plus célèbres.

Surréalisme & dadaïsme, l'enflure anarchiste

La Première Guerre mondiale engendre une aventure politique où les artistes affirment leur antinationalisme haut et fort. À la recherche d’une façon de contester contre la guerre qui détruit tout, ils se retournent contre la société et se lancent dans la provocation extrême.

Un mouvement dit « politique » que l’on surnomme Dada, avec à sa tête le poète Tristan Tzara (Sami Rosenstock) (1896-1963), rassemble des têtes pour recréer le monde.

À Zurich, en 1916, ils ouvrent un dictionnaire, trouvent au hasard le mot Dada, et en baptisent le groupe.

Dada ne veut pas créer, mais détruire l’ordre établi, en commençant par l’art, en rejetant l’idée de chef-d’œuvre. Il fait descendre l’artiste de son piédestal et revendique un art à l’image de la vie. Il veut démolir le monde bourgeois avec ses propres armes pour construire un monde nouveau sur ses ruines.

Dans les années 20, le dadaïsme se désagrège et se divise en deux clans : les disciples de Tzara, et ceux de Breton. Breton veut instaurer le règne de l’esprit nouveau en explorant avec méthode le domaine du rêve.

Pour plus d'information sur le dadaïsme, je vous conseil cet article complètement consacrer à l’histoire de l’art Dadaiste.

Manifeste du surréalisme

En 1924, André Breton tire un trait sur Tristan Tzara et le mouvement dada, et fonde un tout nouveau paradigme artistique : le surréalisme. Le 15 octobre, Breton publie le premier Manifeste du surréalisme, qui inspirera des générations d’artistes à venir.

Quitter le mouvement Dadaisme

Désillusionné de l’apathie des dadaïstes, surtout de Tzara, qu’il a longtemps admiré, fort d’une popularité littéraire considérable et d’un cercle de collègues proches très impressionnant (comptant entre autres Louis Aragon, Robert Desnos, René Crevel et Francis Picabia), Breton quitte une fois pour toutes Dada en publiant le Manifeste du surréalisme.

Ce qui se voulait au départ une préface à son ouvrage Poisson soluble est finalement un livre à lui seul, qui détaille tout d’abord le cheminement de la littérature moderne jusqu’au moment de sa publication, et donne ensuite une première définition du surréalisme.

Définition de l'automatisme

Tel que défini par André Breton, le surréalisme est : « [L’]automatisme psychique pur, par lequel on se propose d’exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale. »

Le ton est donc lancé : dans cette définition, on retrouve à la fois des notions de psychanalyse, si chère à Breton, l’idée d’écriture automatique et d’écriture de l’inconscient, ainsi que celle de la liberté morale et esthétique. Peu de mouvements artistiques ont auparavant englobé l’art sous toutes ses formes : par la définition même du surréalisme, Breton invite à se joindre à ses collègues et lui des artistes de tous horizons.

Philosophie du manifeste

Élisabeth Kennel-Renaud, spécialiste de Breton et du surréalisme, scinde le Manifeste en 9 éléments, parmi lesquels le principe de l’écriture automatique ; l’appel à l’émerveillement ; l’hommage à l’imagination.

Le manifeste en lui-même est surréaliste : hétéroclite, il contient des passages purement théoriques, et d’autres d’écriture, comme celui que Kennel-Renaud décrit par l’appellation « collages de fragments de phrase », qui rappelle le procédé d’écriture surréaliste du Cadavre exquis.

Kennel-Renaud note aussi dans le manifeste une section qu’elle nomme : « Foi en la résolution du conflit entre rêve et réalité ».

En écriture comme au cinéma et dans l’art visuel, les surréalistes tenteront de connecter ces deux sphères de la conscience, que ce soit par l’abolition de la narration chez Buñuel, ou bien par les procédés de récit de rêves et d’écriture sous hypnose.

Premier manifeste surréaliste

Hommage à l’imagination, au rêve et à la liberté, le premier manifeste surréaliste annonce de belles années à venir pour les artistes du mouvement d’André Breton.

Dans le Second manifeste du surréalisme (1930), Breton se fera plus radical : rappelant que le surréalisme ne se réclame d’aucune morale et rejette tout endoctrinement politique, il en appelle cependant à l’implication sociale de tout artiste, ainsi qu’au rejet de l’appât du gain. Ce manifeste, qui critique plusieurs surréalistes actifs à l’époque, fait l’objet, entre autres, d’une solide réplique de Robert Desnos qui, dans Corps et Biens (1930), déplore la fin douloureuse, mais nécessaire d’une belle aventure.

Les branches du surréalisme : le rêve versus l’abstraction

Alors que nombre d’artistes surréalistes cherchent à recréer le monde onirique des rêves, l’autre moitié des membres se verse plus dans un art qui avoisine, et qui contribuera à donner plus tard, l’expressionnisme abstrait.

Un mouvement aussi étendu et rassemblant autant d’artistes que le surréalisme ne peut pas suivre une ligne esthétique, ou même philosophique, très serrée : tant d’esprits créateurs convergeant sur une même théorie sont voués à diverger à un moment où à un autre. De plus, le surréalisme, dont les trois mots d’ordre sont amour, liberté, poésie, laisse place à l’inventivité et à l’originalité.

Les illusionnistes

La première branche, que l’on pourrait qualifier d’illusionniste, rassemble des artistes tels que Salvador Dalí, René Magritte, Yves Tanguy et Max Ernst.

Moins intéressés par l’interprétation des rêves que par la capacité créatrice possible grâce à ceux-ci, les illusionnistes veulent créer des représentations réalistes d’état de sommeil ; dans leurs œuvres, les membres de cette branche du surréalisme incorporent des éléments de la nature, des animaux et même des figures humaines.

Cependant, à la manière des éléphants en échasses ou des montres coulantes de Dalí, les éléments réalistes tels qu’on les connaît subissent souvent des modifications hors de l’ordinaire dans ces toiles surréalistes. Les artistes de cette branche cherchent à créer un inconfort chez le spectateur, que ce soit en déformant l’ordinaire ou bien en associant des objets qui n’ont rien à voir dans la réalité, comme dans le Toréro hallucinogène de Dalí, dont la tête est imprimée entre deux Vénus de Milo, ou bien encore dans l’Invention collective de Magritte, qui présente une absurde figure à corps de poisson et à jambes d’homme.

L’abstraction

Les artistes qui ne penchent pas du côté de l’illusion penchent plutôt de celui de l’abstraction.

Parmi les partisans du surréalisme abstrait, on compte par exemple Joan Miró, André Masson, Roberto Matta et certaines œuvres de Max Ernst, qui ne se classent pas dans l’illusion. Les œuvres de cette branche du surréalisme se caractérisent entre autres par leur automatisme aigu, qui élimine toute représentation figurative, pour permettre à l’auteur — et par le fait même au spectateur — de comprendre pour lui-même les éléments et l’univers d’une œuvre.

Jouant avec les formes et les couleurs, l’Oiseau lunaire et les autres sculptures que Miró produit juste après la Seconde Guerre mondiale ne ressemblent à rien d’autre vu en sculpture jusque-là.

Dans les années 30, juste avant la Seconde Guerre mondiale, plusieurs artistes européens, dont certains surréalistes, doivent fuir l’Europe pour moult raisons et s’embarquent donc pour l’Amérique. Cette vague d’immigration aura une part d’influence sur l’émergence, dans les années 1940, à New York, de l’expressionnisme abstrait.

Le surréalisme abstrait aura été un passage entre surréalisme pur et expressionnisme abstrait, dans lequel s’égareront, l’espace d’une toile ou deux, d’aussi grands noms que Jackson Pollock, Arshile Gorky et Robert Motherwell.

Pour plus d'information sur l’expressionnisme abstrait, je vous invite à voir ce dossier complètement consacrer à l’expressionnisme abstrait.

L'écriture surréaliste

Prônant le hasard et l’écriture du subconscient, libre de toutes barrières psychiques, le surréalisme se développe tout d’abord en littérature.

Dès 1913, André Breton, père du surréalisme, expérimente avec l’écriture automatique, procédé qui caractérisera l’écriture surréaliste, en cherchant à laisser la voix de l’inconscient s’exprimer sans bornes et sans logique.

Les récits de rêve, les cadavres exquis et l’écriture sous hypnose sont tous d’autres techniques utilisées par les surréalistes pour mêler le hasard et l’inconscient à l’écriture.

Écriture automatique

Pratiquée par la plupart des écrivains surréalistes, l’écriture automatique consiste à laisser champ libre à son cerveau, notant toute pensée spontanée sur du papier avant que la logique ne s’en empare et ne la reformule.

Le plus passif est l’écrivain, le plus l’écriture sera automatique — c’est du moins ce qu’affirme Breton, qui expérimente avec ce procédé dès 1913, soit presque une dizaine d’années avant les débuts du surréalisme. Son texte Les Champs magnétiques, publié en 1920, a par ailleurs été presque complètement rédigé selon le procédé d’écriture automatique.

Intimement liée à l’intérêt que porte André Breton à la psychanalyse et aux théories de Freud, l’écriture automatique doit faire parler le subconscient, et même l’inconscient, avant que le sur-moi, portion psychique de chaque homme sujette aux pressions et restrictions sociales, ne s’en empare.

Elle s’inscrit dans le mouvement surréaliste puisqu’elle est avant tout le surpassement du réel. Elle pénètre au-delà de la motivation visible à l’homme. Elle donne l’opportunité à l’artiste qui veille en nous de s’exprimer. Le chef-d’œuvre est notre propre imagination fécondée, en isolant les matériaux considérés. Les lois littéraires ne sont pas crédibles et la grammaire fonctionnelle n’a aucune place dans l’écriture automatique.

L’écriture obtenue, parfois transcendante, n’en reste pas tout du moins sans un côté absurde, qui défie la logique. C’est un jargon, fabriqué puis retranscrit sur papier.

En ce sens, elle se rapproche de la « Pataphysique d’Alfred Jarry, science théorisant la reconstruction du réel dans l’absurde. Jarry, tenu en haute estime par les surréalistes, et surtout par André Breton — qui a déclaré que le dramaturge était un véritable surréaliste, par sa consommation d’absinthe, mais aussi par sa vision du monde — n’est pas si loin des surréalistes dans son écriture volontairement absurde, qui affirme par exemple que : « Dieu est le plus court chemin de zéro à l’infini, dans un sens comme dans l’autre ».

L’esprit saisit la main du medium pour entrer en contact avec le monde physique. Il écrit et dessine. Aucune liaison n’est visible, aucune union n’est en accord avec ce qui pourrait être un « vrai texte ». C’est un moyen intermédiaire de lâcher prise en utilisant une autre manière transmettre sa pensée. Une forme de dictée inconséquente.

En effet, les parapsychologues, les psychologues et les spirites sont de nos jours les plus propices à utiliser ce procédé.

Elle est d’ailleurs encore et souvent adoptée pour recueillir ce qu’on sait d’un sujet lors d’un remue-méninge.

Récits de rêve et écriture sous hypnose

Comme l’écriture automatique, les récits de rêve, sous hypnose, ou bien encore sous influence (de drogues, d’alcool) visent à éliminer le plus possible le contrôle du flux de l’écriture. L’écrivain se retrouve donc complètement illimité dans ses possibilités.

Plusieurs auteurs surréalistes, encore une fois intrigués par les théories psychanalytiques de l’époque, se sont intéressés au lien entre les récits de rêve et le « fil conducteur » les liant à la réalité.

Cadavre exquis

La seule règle de cette technique d’écriture ludique, largement reprise aujourd’hui comme jeu, dans tous les contextes, est de suivre la formule grammaticale suivante : nom, adjectif, verbe, complément d’objet direct, adjectif.

Sur une feuille pliée, où les participants ne peuvent voir le mot inscrit par le joueur précédent, ils doivent inscrire un mot de leur choix, qui respecte l’ordre indiqué plus haut.

Des phrases loufoques sont ainsi obtenues, telles que celle qui donna son nom au jeu (« Le cadavre exquis boira le vin nouveau ») ou bien encore : « Le pain blanc secouera le sein oblong qui rit ». Ce dernier cadavre exquis est également l’un des premiers obtenus : lors de la première rencontre des surréalistes où le jeu est pratiqué, sont présents entre autres André Breton, Jacques Hérold, Victor Brauner, Yves Tanguy, Benjamin Péret et Elsie Houston.

Derrière ce « hasard objectif », en apparence inoffensif, se cache bien évidemment une réflexion esthétique plus poussée : en opposition à l’écriture automatique, où l’écrivain joue seul avec son inconscient, et qui se rapproche donc de la psychanalyse, le cadavre exquis permet à la fois une réelle intrusion du hasard dans l’écriture ainsi que la découverte, purement poétique, de nouvelles associations de mots impensées.

Des techniques qui traversent les médias

L’automatisme, la place du hasard et de l’inconscient ne sont pas des caractéristiques exclusives à la littérature surréaliste : elles se retrouvent également dans tous les autres types d’art que touche ce mouvement.

L’écriture automatique trouve son équivalent dans le dessin automatique, pratiqué par exemple par André Masson, peintre français des années 1920-50.

Le cadavre exquis, également, est aussi bien pratiqué avec des mots qu’avec des parties du corps ! Les collages de Max Ernst ou les œuvres photosensibles de Man Ray rappellent également l’aspect rapiécé du cadavre exquis.

La peinture surréaliste

Le surréalisme s’étend rapidement aux arts plastiques.

Les Magritte, Dalí, Ernst, Ray et Míro se joignent au bateau d’André Breton et créent des peintures à l’aspect souvent onirique, qui dérangent l’œil du spectateur. C’est le cas des éléphants en échasse de Dalí, ou bien de l’homme à la tête de pomme de Magritte.

Les peintures, empreintes de forts symboles et d’éléments fantastiques, jouent souvent avec le concept du trompe-l’œil. Cherchant, comme tous les autres arts surréalistes, à atteindre l’inconscient, les peintures surréalistes sont souvent très personnelles et mystiques, ce qui laisse une large marge d’interprétation au spectateur.

Cherchant, comme tous les autres arts surréalistes, à atteindre l’inconscient, les peintures surréalistes sont souvent très personnelles et mystiques.

Le cinéma surréaliste est de ceux qui fascinent toujours aujourd’hui.

Cinéma surréaliste

Sans logique narrative et sans dimension spatiotemporelle, les films surréalistes ont révolutionné le monde du cinéma, encore très jeune en 1930.

Rassemblant des figures d’importance comme Luis Buñuel, Salvador Dalí et Germaine Dulac, le cinéma surréaliste a eu une influence dont on ne peut même pas mesurer la portée sur le cinéma du 20e siècle.

Premier film surréaliste

Le 9 février 1928, le Studio des Ursulines, à Paris, projette La Coquille et le Clergyman, un moyen métrage réalisé par Germaine Dulac.

L’objectif du dramaturge Antonin Artaud, qui signe le scénario, est de transposer le spectateur dans un monde onirique, grâce à un esthétisme puissant. Cette esthétique, selon Artaud, ne peut pas se contenter de se retrouver seulement dans les effets visuels ; le film doit être onirique dans le fond autant que dans la forme, à la fois dans la structure, le scénario et la direction artistique.

Résulte de cette théorie le premier film surréaliste, une œuvre qui ne se base pas sur la narration : à l’époque où le cinéma narratif et burlesque de Buster Keaton et des Frères Marx règne en maître sur le monde du cinéma international, un film où l’image et le concept prisent sur le scénario est déjà une large révolution.

Un chien andalou par Luis Buñuel et Salvador Dalí

Un an plus tard, le 6 juin 1929, Luis Buñuel et Salvador Dalí signent Un chien andalou. Le film est immédiatement reconnu et légitimé par les surréalistes comme rejoignant le mouvement.

Encore une fois sans structure narrative apparente, Un chien andalou mêle le monde du rêve à la réalité sans les différencier. Les scènes, parfois absurdes, et parfois non, s’y succèdent, avec un mince fil conducteur (personnages et lieux récurrents).

Avec pour thème les relations violentes entre un homme et une femme, le film laisse une large place à l’interprétation : fourmis, pianos et ânes morts apparaissent et disparaissent, et c’est au spectateur seul de s’approprier ces images.

Écrit sur le modèle du Cadavre exquis, il n’a fallu à Buñuel et à Dalí que 6 jours pour composer entièrement le scénario d’Un chien andalou.

À la grande surprise de Buñuel et de Dalí, Un chien andalou reçoit nombre de critiques positives et ne génère ni violence, ni insurrection. À la grande première assistent Picasso, Le Corbusier, Jean Cocteau, ainsi que le groupe entier des surréalistes d’André Breton.

L’Âge d’or, la suite du chien andalou

Dalí et Buñuel reçoivent une commission du riche vicomte Charles de Noailles, pour réaliser une suite à ce film sans précédent. C’est donc à peine un an plus tard, le 28 novembre 1930, que les deux cinéastes récidivent et produisent l’Âge d’or. Le film, beaucoup plus violent, imprégné de pessimisme, d’humour noir et même de passages du Marquis de Sade, est rapidement interdit par la commission de la censure.

Selon le journaliste Freddy Buache, c’est tout de même l’un des films les plus importants à être produit : « Luis Buñuel a jeté avec L’Âge d’or le seul vrai cri, le plus inimitable hurlement en faveur de la liberté humaine de toute l’histoire du cinéma. »

Pour plus d'information sur la suite du chien andalou, je vous invite à voir ce dossier complètement consacrer au film L’Âge d’or.

Dernier film purement surréaliste

La majorité des experts soutiennent que le cinéma surréaliste meurt en 1930, avec Le Sang d’un poète, de Jean Cocteau.

Alfred Hitchcock nouera des liens avec Dali pour la réalisation du film Spellbound (1945).

Malgré tout, et comme dans tous les autres domaines de l’art, l’influence du surréalisme sur ce qui est à venir dans le monde du cinéma pour le reste du 20e siècle est immesurable. D’aussi grands cinéastes que Federico Fellini, Alejandro Jodorowsky et David Lynch travaillent, à la manière du surréalisme, avec le rêve et la psychologie du subconscient dans leur œuvre.

Le cinéma d’animation, le cinéma fantastique et une large part du cinéma des pays de l’Est ont beaucoup d’influences surréalistes.

Finalement, l’innovation que représente le cinéma dysnarratif ne disparaîtra jamais du monde du grand écran, apportant à l’époque, et aujourd’hui encore, d’une certaine façon, la seule résistance possible au cinéma large-public, suivant une structure narrative précise, produit par Hollywood.

L'héritage du mouvement artistique

Alors que le surréalisme est principalement associé à l'art, il fut dit que le surréalisme eut un impact dans de nombreux autres domaines.

En ce sens, le surréalisme n'est pas expressément unique à ceux qui s'identifient comme surréalistes, ou celles mentionnées par Breton. Il se réfère plutôt à une série d'actes de création et d'efforts visant à libérer l'imagination.

En plus des idées surréalistes qui sont fondées sur les idées de Hegel, Marx et Freud, le surréalisme est considéré par ses défenseurs comme étant dynamique et dialectique dans sa pensée.

Le surréalisme aurait apparemment été vu dans diverses sources telles que :

• Clark Ashton Smith
• Montague Summers
• Horace Walpole
• Fantomas
• The Residents
• Bugs Bunny
• La bande dessinée
• Le poète Samuel Greenberg
• T-Bone Slim

On peut dire que des volets surréalistes furent trouvés dans des mouvements tels que le Free Jazz (Don Cherry, Sun Ra et Cecil Taylor) et même dans la vie quotidienne des gens, dans la confrontation avec la limitation des conditions sociales.

Dans la pensée de l'effort de l'humanité pour libérer l'imagination comme un acte d'insurrection contre la société, le surréalisme trouve des précédents dans les alchimistes, peut-être Dante, Hieronymus Bosch, le Marquis de Sade, Charles Fourier, le Comte de Lautréamont et même Arthur Rimbaud.

Influence sur la littérature

De nombreux mouvements littéraires dans la deuxième moitié du 20e siècle furent directement ou indirectement influencés par le surréalisme. Cette période est connue sous le nom de l'ère postmoderne et, si il n'y a aucun avis général sur la définition du postmodernisme, de nombreux thèmes et techniques, communément identifiés comme postmodernes, sont presque identiques à ceux du surréalisme.

Les auteurs, au sein de l'ère postmoderne, qui ont été le plus en contact avec le surréalisme sont peut-être les dramaturges du théâtre de l'absurde. Bien que ce ne fut pas un mouvement organisé, ces auteurs furent regroupés sur la base de thématiques et de techniques similaires et ces similitudes peuvent être attribuées à l'influence des surréalistes.

Eugène Ionesco, en particulier, était amoureux du surréalisme, prétendant à un moment donné que Breton fut l'un des plus importants penseurs de l'histoire.

Samuel Beckett fut également friand de surréalisme et même si la plus grande partie de sa poésie était traduite en anglais, il entretenu des liens étroits avec James Joyce, son mentor et ami.

Beaucoup d’écrivains associés à la génération Beat furent aussi grandement influencés par le surréalisme. Philip Lamantia et Ted Joans sont souvent classés en tant que Beat et écrivains surréalistes. Beaucoup d'autres écrivains Beat prétendent aussi être significativement influencés par le surréalisme. Quelques exemples sont Bob Kaufman, Gregory Corso et Allen Ginsberg.

Dans la culture populaire, une bonne partie des écrits du jeune Bob Dylan, incluant quelques-uns des écrits plus récents de Dylan, ont clairement une conscience et un ton surréalistes.

Finalement, le réalisme magique, une technique populaire chez les romanciers de la seconde moitié du 20e siècle, en particulier chez les écrivains latino-américains, présente des similitudes évidentes avec le surréalisme, notamment avec ses juxtapositions de la réalité et du rêve. L'importance du réalisme magique dans la littérature latino-américaine est souvent associée, en partie, à l'influence directe du surréalisme chez les artistes d'Amérique latine (Frida Kahlo, par exemple).

Artistes surréalistes

Le mouvement artistique surréaliste a été adopté par plusieurs artistes peintres, photographes, sculpteurs, cinéastes et écrivains. Voici ceux qui ont le plus marqué le mouvement surréaliste.

Salvador Dali

Dali est un personnage complexe qui a marqué le monde de l'art du 20e siècle. Cet artiste rebelle a révolutionné le surréalisme tout en sachant attirer le grand public par ses frasques loufoques. La peinture moderne ne serait pas ce qu'elle est sans Dali.

Voir la biographie de Salvador Dali

René Magritte

René Magritte, peintre surréaliste belge, a été un artiste très prolifique et a réalisé des œuvres pleines d'un symbolisme puisé dans son existence. Très actif, il a révolutionné le surréalisme belge et mondial grâce à son originalité et à sa technique irréprochable.

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Francis Picabia

Francis Picabia est un artiste peintre et écrivain dont l'expérimentation et la recherche auront été les buts ultimes. Passionné et avant-gardiste, il a été l'un des éléments fondateurs du dadaïsme et un modèle pour les nouvelles générations.

Voir la biographie de Francis Picabia

Jean (Hans) Arp

Jean Arp, artiste français prolifique, a été marqué toute sa vie par le goût du hasard et des rêves. Ses voyages ont forgé son art et les rencontres qu'il y fit, notamment celle de son épouse, influencèrent grandement son travail et sa vie.

Voir la biographie de Jean Arp

Joan Miro

Joan Miro, artiste peintre et sculpteur espagnol, a tout au long de sa vie expérimenté et cherché sa voie en explorant les mouvements modernes de l'art. Anti-conformiste, il fut un artiste qui marqua les générations et qui demeurera l'une des figures les plus importantes du surréalisme.

Voir la biographie de Joan Miro

Man Ray

Man Ray est un artiste photographe et peintre qui a révolutionné le monde de l'art grâce à ses techniques avant-gardistes. Sa technique de solarisation permettant de former un halo de lumière sur les personnages de ses photographies donne un effet typiquement surréaliste à ses oeuvres.

Voir la biographie de Man Ray

Max Ernst

Max Ernst, peintre et sculpteur allemand puis naturalisé français, a pris une part active dans les mouvements modernes de son époque. Libre penseur et anticonformiste, son travail onirique a ouvert la porte au surréalisme et a contribué à la naissance de l'expressionnisme abstrait.

Voir la biographie de Max Ernst